"EDMOND", EN TEATRO ALVEAR, CRÍTICA

 EDMOND

Entre el vodevil y la comedia dramática transita Edmond de Alexis Michalik, autor y director de la puesta que reabrió el teatro Alvear, luego de una década de permanecer cerrado.

“Edmong” tiene un gran trío protagónico: Miguel Angel Rodríguez como Coquelin, Edmond a cargo de Felipe Colombo, y Jeanne por Vanesa González, además de más de 10 valiosos intérpretes.

Varios aspectos hay que destacar: la inteligencia de la puesta, de por sí dificilísima, la escenografía móvil, la musicalización además de la música original de Romain Trouillet. Hay una planificación milimétrica de escenografía y elenco en sus entradas y salidas del escenario que resulta impactante, nunca antes visto.

En principio, se eligió una obra que habla del teatro y su creación: Edmond Rostand, dramaturgo, venía de muchos fracasos teatrales y debía mantener a su mujer e hijos. Hasta que su amiga Sara Bernhardt le presenta a un reconocido actor, Coquelin, que necesitaba también un éxito. Las penurias de Edmond aumentan cuando encuentra, en una joven actriz, a su musa inspiradora; las cartas de amor que le envía, de a dos por día, serán la base de su Cyrano de Bergerac, la obra que tiene en su mente, que aún no ha escrito y que, luego de presentarse a duras penas, le permitió tener éxito, fama, reconquistar a su esposa, y devolviéndole además la popularidad al alicaído Coquelin.El proceso creativo es penoso y la obra de Michalik se encarga de mostrarlo a través de una continua movilidad de actores y tramoyas, un ir y venir sobre el escenario que requiere de eximios intérpretes, aquí de todas las edades y todos a un altísimo nivel de expresión artística.

Es una puesta novedosa, diferente e inteligente: se inicia con los actores ubicándose lentamente sobre el escenario aún con las luces encendidas de la sala, mirando por momentos fijamente al público que va ingresando a la sala del Alvear. Ya en el inicio, hay una planificación milimétrica de escenografía y elenco en sus entradas y salidas del escenario que resulta impactante, nunca antes visto. Sí consignamos que hay una media hora de más, especialmente por el comienzo que resulta un tanto farragoso. A veces mantener cierto clasicismo en el relato no viene mal. De todas maneras, una puesta y actuaciones prodigiosas.

Elsa Bragato

"EL ZOO DE CRISTAL", TEATRO PICADERO, AGOSTO 2023

EL ZOO DE CRISTAL, de Tennessee Williams. Versión de Mauricio Kartun. Con Ingrid Pellicori, Agustín Rittano, Malena Figó, Martín Urbaneja. Arte de Stella Maris Santiago, Vestuario de Julio Suárez, Escenografía de Cinthia Chomski, Iluminación de Horacio Novelle, Gráfico de Stella Maris Santiago, Música y diseño sonoro de Silvina Aspiazu, Fotografía de Nacho Lunadei y Federico Sosa. Dirección de Gustavo Pardi. Comunicación y prensa de Mutuverría PR. Teatro Picadero, CABA.

XXXX- BUENA VERSIÓN DE UN CLÁSICO CONTEMPORÁNEO

Una nueva versión de “El zoo de cristal” de Tennessee Williams llega al teatro Picadero de esta ciudad, con versión del dramaturgo Mauricio Kartun, puesta en escena de Gustavo Pardi y un sólido elenco encabezado por Ingrid Pellicori, Agustín Rittano, Malena Figó Y Martin Urbaneja. En esta adecuación que significa hacer una versión de un clásico, Kartun aggiornó el vocabulario y secuencias intrahogareñas acercándolas al estilo de vida actual. De acuerdo a la autorizada palabra del crítico Romulo Berrutti, Kartun también modificó en demasía la presentación de “su familia” que hace el personaje “Tom” (Rittano) a la manera de “relator” por lo que se pierde ubicación precisa de la historia y hasta el por qué, señalamos nosotros, de esta personal historia del dramaturgo Williams (basta con leer el texto original). Para nosotros, la puesta en escena de la primera parte (la madre con sus dos hijos antes de la cena con el invitado especial) debió comprimirse más en su ritmo. Hay silencios demasiado extensos entre un parlamento y otro que resultan innecesarios. Cuando ingresa “Jim” (Urbaneja) como el presunto candidato para “Laura” (Figó), la obra adquiere una cadencia ágil que se mantiene hasta el final. Aunque el enojo y desencanto final de la madre requirió, esta vez sí, más desarrollo temporal.

Hay que destacar que la puesta logra un halo mágico cuando el texto original exige que se corte la luz quedando una iluminación virada al azul junto a un candelabro de tres velas que permiten vislumbrar el encuentro entre Jim y Laura. El diálogo entre los dos jóvenes es de altísimo vuelo recordándonos la calidad del autor para describir los vericuetos del alma humana.

Ingrid Pellicori como Amanda, la madre de dos hijos, Tom y Laura, el primero con extrañas huidas del hogar y la segunda acomplejada por su renguera, encarna un personaje avasallador, pegajoso, y manipulador, que asfixia aún con sus buenas intenciones. Por su parte, Agustín Rittano como Tom, que abre y cierra la obra, pierde fuerza por momentos por esa falta de ritmo que indicamos. Mientras que Malena Figó como Laura encuentra en su unicornio de cristal y en la música una vida de ilusión que la aleja de su complejo físico. Este personaje tiene relevancia hacia el desenlace, cuando dialoga con Tom teniendo aquí una fuerte simbología el zoo de cristal; aunque destacamos otro momento de Figó-Laura, de gran belleza escénica, frente al público siguiendo con leves movimientos de brazos y cuerpo la voz que canta un blues de cadencia sinuosa. Finalmente, Martín Urbaneja como Tom, el supuesto salvador, tiene el personaje más agradecido por ser extrovertido, simpático, capaz de quebrar con su temperamento el ambiente taciturno de ese hogar sin rumbo social.

Por sobre la puesta, que incluye una musicalización exquisita (Silvina Aspiazu en música original y diseño sonoro), está la magnificencia de un autor como Tennessee Williams, de los más puntillosos a la hora de indicar un montaje, que dota a sus personajes de humanidad, retratando usos y costumbres de entonces y de ahora. Y esto determina que esta obra sea un clásico, una pieza de repertorio: es que, con diferencias de puestas y versiones, logra mantenerse intacta porque cuenta la vida misma desde un determinado ángulo al mostrarnos nuestras miserias, conformando un zoo humano tan de cristal como el unicornio de Laura.

Elsa Bragato

 

 

COMENTARIO DE "UN HOMBRE DE CINE"; DE HERNÁN GAFFET

UN HOMBRE DE CINE

(Durante el mes de octubre se ofrece en el Malba, domingos, 18 horas)

Documental de Hernán Gaffét, a cargo del guion. Fotografías de Tomás Ridilenik. Animaciones de Gabriel Muro. Locución de Juan Palomino, Darío Guesenzvaig y Hernán Gaffét. Música de Guillermo Romero (pianista), percusión de horacio Straijer. Producción de Charo Mato y Fernando Molnar para Magoya Films. Duración: 113 minutos.

XXXX-EL CINE COMO RAZÓN DE VIDA

Valioso documental es “Un hombre de cine” sobre la vida y obra de Néstor Gaffet, abogado, guionista, productor y distribuidor de cine.  realizado por uno de sus hijos, Hernán, quien se puso al hombro la investigación, el guion, la producción y la dirección. Reconstruye la vida de su padre en forma minuciosa, desde el nacimiento hasta el amor por su prima, con quien terminará casándose, el nacimiento de sus dos hijos, y el enamoramiento por el séptimo arte, siendo a la vez historia argentina sobre la censura cinematográfica.

De formación política radical, Gaffet padre tuvo que enfrentarse a los censores de todos los gobiernos, a ignominiosas leyes sobre la libertad de imagen en el séptimo arte, contubernios varios de los presidentes supuestamente democráticos con los representantes eclesiásticos y las fuerzas armadas, y, en definitiva, a un despótico maniobrar sobre lo que el público argentino podía ver o no.

El gusto por la pantalla grande del público argentino fue más fuerte que la censura misma animando a Nëstor Gaffet a idar rienda suelta a su pasión e invertir para traer los mejores productos: desde la Nouvelle Vague hasta el Neorrealismo italiano, el descubrimiento del maestro Ingmar Bergman con la aplaudida “Juventud, divino tesoro”, la estrecha relación con Leopoldo Torre Nilsson como productor de sus películas. Bien se puede afirmar que Gaffet  sucumbió al hechizo de la pantalla grande en todos sus aspectos.

Este documental tiene gran valor histórico porque no deja de lado nombres y apellidos ni de presidentes ni de militares ni de civiles ni de instituciones que se creyeron con el poder de censurar, “cortar”, secuencias de películas, considerándose dueños de la moral pública.  Tiene minuciosidad en la investigación, es preciosista en los detalles, siendo una honesta revelación de la vida de una familia que vibró al son de los films.

Se destaca en todos sus aspectos: desde el guion, con un muy buen trabajo de producción, hasta la postproducción, que incluye la música incidental, apropiada al relato, voces en off, films de época, posters de cientos de películas, aportando información y agilidad narrativa. Es un honesto y rico retrato que se funde con aspectos de la vida sociocultural y política de nuestro país. De visión obligatoria.

Elsa Bragato

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